POESÍA ROMÁNTICA EN EL CINE

BRIGHT STAR, dirigida y escrita por Jane Campion es un exquisita y extraordinaria película sobre la última parte de la vida del poeta románico inglés John Keats. Aquella que cuenta la intensa relación amorosa entre el empobrecido poeta y la joven de clase media alta, Fanny Brawne. Un amor imposible por la diferencia social entre ambos, que ésta intenta convertir por su devoción y entrega al enfermizo John, en real y posible.
Fanny, evoluciona de frecuentar y flirtear en los bailes y salones a sus pretendientes para un futuro matrimonio, al amor apasionado con el poeta que vive alojado en su casa con un amigo que le mantiene y le estimula a escribir. Ella llegará a estudiar poesía con él, a aprender sus poemas, que apenas le dan dinero para vivir. Sin duda, la mejor y más romántica elección.
La directora en la película relaciona de la mejor manera posible la poesía y el lenguaje cinematográfico, la belleza de la palabra, y la utilización apropiada de la imagen. Así, comienza con un verso en el que Keats escribe que una cosa bella produce siempre un goce eterno. Esta búsqueda de la belleza se expresa en el tratamiento de la luz y el color, influenciados por el paso de las estaciones, y relacionados con el estado físico y anímico de los personajes. Nos encontramos con escenas sobre la nieve, de invierno que se asocian a la enfermedad o a la muerte, o también con las de la primavera, unidas a la explosión del color en las flores, simbolizando el renacer de la naturaleza, del amor. Las luces de los interiores domésticos están muy cuidadas igualmente, son luces naturales, a veces contraluces de exquisito gusto. Hay un tratamiento especial para la protagonista, la actriz, Abbie Cornish, muy fotogénica, de rasgos faciales perfectos, para que deslumbre en cada plano a lo largo de la historia. La ambientación de época, los interiores, todo el conjunto ha sido cuidado hasta el mínimo detalle. 
Ella es Bright Star, la estrella de brillo permanente, la musa que inspiró el poema de este título, que recitan los enamorados en momentos de gran transcendencia de la película. Uno conjunto, cuando ellos viven su amor, y otro, más importante, cuando a Fanny le llega la noticia de la muerte en Roma de Keats, donde se había trasladado por consejo médico. Este es el final de una película donde poesía y cine forman un todo único, y donde hasta el paso de los títulos de crédito, va acompañado de una voz que recita poesía.

LA COMEDIA DE LA VIDA

Woody Allen en su última película, CONOCERÁS AL HOMBRE DE TUS SUEÑOS (You will meet a tall dark stranger), realiza una divertida comedia sobre las relaciones de pareja, hombre-mujer, a distintas edades, insatisfechas o fracasadas, desde el punto de vista de la mujer. El director y guionista juega con la comparación de que tener varias parejas es como vivir varias vidas, que mezcla con  la idea del más allá y de la reencarnación, sin ninguna transcendencia, sin la profundidad conceptual de su anterior guión en la película, Si la cosa funciona. De todas formas, el conjunto es armónico, con momentos muy atractivos para el espectador por su comicidad. También llama la atención la voz en off del director al contarnos la historia para explicar la situación de cada uno de los personajes, y que da paso en algunas ocasiones a un flash back en la narración.
Una vez más, el director emplea a grandes actores que potencian la calidad del guión, y que sin ellos el resultado sería distinto. En este sentido sobresale la interpretación de la actriz inglesa, Gemma Jones en el papel de Helena, que ve cómo su marido, Alfie (Anthony Hopkins), ya entrado en años como ella, le abandona por una mujer joven. 
Entorno a Helena gira toda la comedia, pues siente mucho la ruptura, después de tantos años casada. Así, desde ese momento seguirá los consejos de una adivina, que implicará a su hija, Sally (Naomi Watts), que tiene un matrimonio a punto del fracaso por un marido, Roy (Josh Brolin), que es un escritor mediocre que no quiere tener un hijo, los más deseado para ella, y que está más interesado por su vecina a la que contempla desde la ventana. 
Antonio Banderas, tiene un pequeño papel como Greg, galerista y jefe seductor de Sally. Al final, cada uno de los personajes, según sus planes y aspiraciones, cambiará de vida, de circunstancias, de pareja o se quedará sola.

FEDERICO FELLINI COMO ARTISTA


Una interesante y completa exposición sobre el director italiano Federico Fellini se puede disfrutar en el Caixaforum de Madrid hasta diciembre de 2010. Sam Stourdzé es el comisario de la misma y el autor del texto de la pequeña guía bilingüe, castellano e inglés,  bajo el título Fellini o la fábrica  de imágenes. Toda la muestra se divide en pequeños capítulos sobre la obra cinematográfica y artística del director, las principales películas, y la actividad como dibujante de cómic, siguiendo un orden cronológico y temático. Así, se aborda su preferencia por los personajes grotescos, o la importancia  de determinados actores como su mujer, Giuletta Masina, y Anita Ekberg, o Marcello Mastroiani, como su alter ego.
Los distintos aspectos de su faceta creativa son tratados. Si empezó como dibujante, pronto llegaría a trabajar como guionista y colaborador con el director Roberto Rosellini. La carrera cinematográfica evoluciona de una etapa próxima al neorrealismo hasta volcarse en la expresión de su personalidad, de su estilo, de sus sueños y obsesiones, especialmente desde los años sesenta. La expresión de esta personalidad creativa a través del  lenguaje cinematográfico es lo más importante en él. Se emparenta de esta manera con otros grandes directores italianos como Antonioni o Pasolini con los que colaboró.
En la exposición queda claro su exhaustiva preparación de cada película, desde los actores hasta el vestuario, pasando por el sonido. Se supo rodear de colaboradores extraordinarios como Nino Rota que creó sus más importantes bandas sonoras. Le gustaba trabajar en el estudio, más que en escenarios naturales, para controlar todos los aspectos del rodaje mejor, y doblar a los actores, más que el sonido natural.
La película a la que se dedica mayor atención, por su importancia, es La Dolce Vita, Palma de Oro del Festival de Cannes. Queda demostrado el origen de algunas secuencias en la realidad que vivía Italia a finales de los años cincuenta y comienzos de los sesenta, la revolución de las costumbres y la importancia de la imagen fotográfica y de los medios para conseguir la fama.
Fue un director de cine muy premiado si nos fijamos en los Oscar recibidos, pero no sobrevalorado. Para el espectador atento después de ver esta importante exposición, perdurará tal vez una idea diferente, surreal, mejor y más completa, de la que tenía sobre este creativo director italiano, próximo al mundo de los sueños, al mundo del circo, de la fiesta popular, al inconsciente colectivo, al suyo propio.

GHIRLANDAIO Y EL RENACIMIENTO FLORENTINO



Entorno al Retrato de Giovanna degli Albizzi Tornabouni de Domenico Ghirlandaio, obra maestra del Museo Thyssen, se organiza en este una bella muestra sobre el autor y el arte en la ciudad italiana de Florencia a finales del siglo XV, dividida en cinco apartados: Introducción sobre Florencia y las mas importantes familias entre las que destacaban los Albizzi y los Tornabuoni; el retrato privado en el Renacimiento Florentino; Una boda aristocrática; Devoción privada e iconografía sacra y estudio técnico del retrato de Giovanna.
Sobresale entre todos el tercero, el que reune algunas obras que decoraban los aposentos privados de Lorenzo en el Palacio Tornabuoni, entre ellas, la famosa pintura de la Adoración de los Reyes del propio Ghirlandaio, que impacta desde el principio al espectador que entra en la sala por su situación en frente de su recorrido, todo un acierto. Junto con la Virgen con el Niño de la National Gallery of Art de Washington, situada en la sala de la devoción privada, constituyen, además del famoso retrato, los ejemplos mas importantes del autor en la exposición. En general, las demás obras expuestas son de su taller, igualmente representativas de su prestigio y demanda en aquella época.
La exposición comprende también pinturas y dibujos de autores como Botticelli o Pollaiuolo. Además de esculturas, muebles, libros, y medallas, todos los objetos escogidos con precisión y gusto, según el sentido de la muestra. Nada parece superfluo, sino que satisfacen al espectador, que desearía que fuese mas extensa, continuar su mirada por el arte de aquella época.
De todas maneras, a la par de su disfrute, puedes hacerte una idea de lo que fue el arte del Renacimiento en la ciudad de Florencia. Como fue la técnica y el estilo pictórico de Ghirlandaio y algunos de sus contemporáneos, el interés artístico de las familias mas opulentas en la representacion religiosa, la mitologia o la alegoría, interrelacionadas de forma adecuada.

TIEMPO DE VIOLENCIA


Novela histórica o historia novelada, según la importancia de la calidad formal del texto o de los hechos históricos que articulan la narración. Deben conjugarse los dos aspectos para que resulte un libro de calidad, que evite la banalizacion del pasado trágico. Hoy muchos éxitos de ventas son novelas históricas, que perduraran en el futuro según su calidad intrínseca, no comercial, de un momento, de una moda pasajera.
Vida y destino, del periodista y escritor ruso Vasili Grossman atiende a las exigencias mas estrictas de interés por un periodo de la historia del siglo XX, la Segunda Guerra Mundial, y en concreto, la batalla de Stalingrado, en forma de novela, pero que el autor la convierte en una obra literaria monumental que reflexiona sobre el ser humano en condiciones de extrema violencia.
El autor conoció la resistencia rusa al asedio alemán de la ciudad de Stalingrado. En ella se decidió la victoria o la derrota del ejercito soviético, el destino de toda la guerra, del estado nacido con la revolución bolchevique. Grossman se centra en esos momentos del enfrentamiento y termina con la victoria sobre las tropas de Hitler. Sin embargo, teoriza sobre el régimen soviético al mando de Stalin, que impone la férrea dictadura del partido comunista al pueblo. La revolución bolchevique se ha transformado en la defensa del estado que todo controla en favor de su propia supervivencia. Los horrores represivos de 1937 son recurrentes a lo largo del libro para los personajes, para el propio lector, que aminorados continúan durante la propia guerra. Personajes de ficción se mezclan con los reales.
El genocidio judío constituye otro de los planteamientos fundamentales del autor. Incomprensible en aquella época y siempre, por su extrema violencia. El escritor es de origen judío como los principales personajes del libro. Constituyen un grupo característico de la Rusia soviética. Las paginas dedicadas al exterminio sistemático son muy significativas. También el análisis de la elite nazi, de los ejercitos alemanes.
Vasili Grossman escribe sobre el hombre y la mujer, el ser humano víctima de las ideologías totalitarias enfrentadas. Un ser humano al limite, próximo a la muerte, en el frente de batalla, en el campo de exterminio o en el penitenciario. La condición humana es ajena a la extrema violencia que ha creado y perdura a pesar de esas ideologías inhumanas, esas fuerzas poderosas, que pretendieron la gloria, la felicidad o la victoria, lejos de la misma, de la libertad que lleva inherente.
Concluye el autor: Fuera lo que fuese lo que les deparara el futuro-la fama por su trabajo o la soledad, la miseria y la desesperacion, la muerte y la ejecución-,ellos vivirían como seres humanos y morirían como seres humanos, y lo mismo para aquellos que han muerto; y solo en eso consite la victoria amarga y eterna del hombre sobre las fuerzas grandiosas e inhumanas que hubo y habrá en el mundo.
(pag. 1093)