BOSQUES DE LUZ

Vestíbulo de la exposición

En las salas de la antigua Tabacalera se expone una retrospectiva sobre el fotógrafo José Manuel Ballester, bajo el título, BOSQUES DE LUZ, que reune 50 obras de gran formato de los últimos ocho años de su producción. Una obra basada en tres elementos, el tiempo, la luz y el espacio, situada entre dos lenguajes antagónicos, la figuración y la abstracción. Las imágenes fotográficas las agrupa en series temáticas donde estudia la relación entre la arquitectura y la ciudad, entre la pintura y la fotografía, y entre lo artificial y lo natural. A causa de la preocupación por el espacio, las salas de la antigua fábrica de tabacos, sirven de marco adecuado. Ellas de por sí fueron captadas por su cámara.

El visitante es recibido por una fotografía de la pintura al fresco de la Santa Cena de Leonardo da Vinci, que el artista interpreta, como otras tantas del Quattrocento italiano, como la Anunciación de Fra Angélico del Museo del Prado, eliminando las figuras religiosas o mitológicas, y dejando el marco espacial y arquitectónico. Las imprime en un soporte de tela o lienzo creando una auténtica ficción sobre la pintura, que en realidad es una imagen fotográfica. Otro conjunto, si acaso más característico de su estilo, captan  arquitecturas industriales o urbanas, como las referidas a la reforma del Rijsmuseum de Amsterdam; de una planta de energía solar; de ciudades chinas, o paisajes naturales, todas ellas, con una nitidez y un brillo intenso, valorando la incidencia de la luz, ya sea diurna o nocturna, el pleno día o el atardecer. Utiliza soportes fotográficos que potencian dichos efectos, algunos transparentes a modo de caja iluminada.

El artista cuando capta interiores desbastados de antiguas construcciones, arquitecturas posmodernas, enormes masas de edificios y rascacielos de lejanas ciudades, reflexiona sobre la capacidad creativa y el progreso técnico del ser humano en un mundo globalizado. Transforma visualmente los espacios naturales extraordinariamente bellos por otros de igual manera. Lo mismo sucede cuando representa pinturas de los maestros del pasado. Intenta reflejar la capacidad innata de nuestra especie para transformar la naturaleza en espacios materiales de construcciones de todo tipo. El fotógrafo crea una nueva realidad, la del arte, que no es ficción tampoco, la de su estilo, en busca de una nueva belleza formal en la que influye los aspectos técnicos y poéticos de su personalidad, basada en una realidad material objetiva previa, arquitectónica, espacial, urbana, o natural, .

PRINCIPIO Y FIN DEL AMOR

El día 14 de febrero, se ha celebrado, como todos los años el día de los enamorados, San Valentín, una festividad que ha adquirido cada vez más un carácter comercial porque es la fecha propicia para hacer un regalo a la persona de quien estás enamorado. La película, BLUE VALENTINE, dirigida y escrita por el realizador, Derek Cianfrance, se encuentra en la misma temática y próxima a la fecha, sin embargo no se puede clasificar como romántica al uso general y comercial, si no que narra una historia de desamor de igual forma. Cuenta cómo una joven pareja con una hija, en un fin de semana entra en crisis, se pone en evidencia que ha desaparecido el amor entre ellos. Lo único en común que les queda es ésta. En este espacio temporal se produce un flash back de cómo se conocieron.

 Dean, protagonizado por Ryan Gosling, era un mozo empleado en una empresa  de mudanzas, y Cindy, Michelle Williams, una joven universitaria estudiante de medicina. Uno, sin estudios, procedente de una familia desestructurada, y otro, de un ambiente de clase media. Se conocen indirectamente en la residencia de ancianos donde está la abuela de la protagonista. Resulta un buen momento porque acaba de romper con su último novio de la universidad. Establecen una relación a pesar de una cierta asimetría social entre ellos cuando ella se queda embarazada. Tras frenar el posible aborto, deciden contraer matrimonio y formar una familia, cuya vida se desarrolla en las afueras de Nueva York, ella trabajando en un hospital, y él como pintor.

Más relevante que la argumentación de la película es la forma en imágenes que el director confiere a la obra. Estructurada por un montaje en el que el pasado y el presente se desarrollan paralelos ante el espectador, donde importan los primeros planos de los personajes, el escaso diálogo, los gestos, la relación íntima o afectiva entre ellos. El realizador trata con gran sensibilidad las escenas, entre las que destaca aquella desarrollada en el Manhattan Bridge, frente al puente de Brooklyn, mientras los rayos de sol en el atardecer inciden sobre los protagonistas. Completa el conjunto una banda sonora de canciones esencial e inserta en la historia.

ARCO 2013

ARCO  2013

Los días 15, 16 y 17 de febrero el público en general puede visitar la Feria Internacional de Arte Contemporáneo en los pabellones 8 y 10 de IFEMA. Supone como todos los años un acontecimiento cultural relevante para los interesados en el Arte ya que reúne un conjunto significativo de obras de todo tipo, desde las vanguardias históricas hasta lo último de comienzos del siglo XXI. En los propios espacios para las distintas galerías nacionales y extranjeras se realizan obras ex profeso para las mismas y existen actividades culturales paralelas a la propia feria en los pabellones. Por otra parte, es un mercado de arte contemporáneo, sometido a las mismas leyes que otros productos comerciales. Si las circunstancias económicas de España no son buenas se ha reflejado en la feria. Las galerías han ofertado pequeñas obras principalmente asequibles a los bolsillos de la clientela nacional e internacional interesada, unido a la subida del IVA que repercute en el número de transacciones. Sin embargo sigue siendo una buena oportunidad de inversión con gusto de coleccionar, mejor que la evasión fiscal o a paraísos fuera de nuestras fronteras sin apenas tributación. Los grandes nombres de la vanguardia histórica han desparecido. Quedan algunos ejemplos de Picasso, Miró y Dalí, lo mismo que el arte despúes de la Segunda Guerra Mundial. Apenas se ven obras de Saura, aunque todavía bastantes de Antoni Tápies. Estos ejemplos referidos a nuestro país porque los de fuera son limitados. 

La feria muestra un conjunto mayoritario de galerías dentro del Programa general; luego una oferta  más reducida en las secciones, Opening, Solo Projects y Focus, este año dedicada a Turquía, que pueden resultar igualmente interesantes. Ha surgido una nueva dedicada al coleccionismo más económico, llamada ARCO collect online. A diferencia de ediciones pasadas, fruto de la crisis financiera de las administraciones públicas, ha desaparecido cualquier espacio dedicado a ellas, donde se mostraban sus iniciativas artísticas, las adquisiciones a lo largo del tiempo, de la misma manera que otras entidades privadas, también azotadas por la fuerte crisis financiera. Apenas quedan los espacios de revistas y periódicos y alguna gran empresa de telecomunicaciones con sólida apuesta cultural. Sin embargo, sin mucha publicidad parece ser que siguen las compras, menores en su cuantía.

La feria ha ganado en profesionalidad y ha perdido un tanto de su fama entre el público, debido a las circunstancias económicas y a la competencia de otras ferias nacionales que se desarrollan en las mismas fechas. Tiene una vitalidad de fondo que creo que no perderá nunca asociada al producto que comercializa, el Arte Contemporáneo. Este año se ha podido comprobar el equilibrio entre los distintos géneros artísticos. Vuelve la pintura en detrimento de la fotografía y las videoinstalaciones. La escultura brilla como protagonista, dentro de las galerías como en los pasillos, entre los pabellones, donde se puede caminar con más espacio, lo que resulta positivo. Algunas galerías ofertan piezas según las exposiciones que hay en Madrid en este momento, de la pintora cubista, María Blanchard, o de la abstracción geométrica, en el Museo Nacional Reina Sofía. La realidad social y política española es difícil con casos continuos de corrupción y protestas en la calle por los recortes sociales y de derechos. De esta manera algunas intervenciones artísticas responden a esta situación política como la famosa escultura de un encapuchado sentado en la pared de una galería o aquella frase que aparece escrita en otra en la que los visitantes pueden leer: YA BASTA HIJOS DE PUTA, con una serie de ladrillos en la parte inferior, aludiendo a la indignación producida por el problema de la burbuja inmobiliaria.

INICIACIÓN A LA VIDA ADULTA

El escritor, guionista y director, Stephen Chbosky, lleva al cine su primera novela, LAS VENTAJAS DE SER UN MARGINADO (The Perks of Being a Wallflower), manteniendo el mismo título. Fue publicada en 1999 y ha tenido un gran éxito de ventas, llegándose a enseñar en institutos y universidades norteamericanas. La película presenta gran interés pues muestra una serie de problemas que afectan a los jóvenes en la actualidad en la progresiva evolución hacia la vida adulta. Permanecerá sin duda, cuando se comercialice, como referente para la educación en valores en la enseñanza secundaria. La película está ambientada en la década de los noventa pero las circunstancias que afrontan los protagonistas son hasta cierto punto muy actuales.

La película se desarrolla en el primer año de instituto de Charlie, bastante dotado intelectualmente pero torpe para hacer amigos, circunstancia causada por las crisis que le produjo la relación con su tía muerta en un accidente, que al final se descubre que abusó de él. La entrada en el instituto parecía que iba a ser un fracaso cuando conoce a dos hermanastros de último año que le introducen en su círculo de amigos, Sam y Patrick, también buenos estudiantes vinculados a las actividades artísticas, al teatro. El fracaso se convierte para él en un auténtico triunfo con las amarguras de los desengaños y los descubrimientos. Conocerá el amor en la persona de Sam; el deseo y la primera experiencia sexual con su amiga, Mary Elizabeth; la vertiente homosexual del mismo en Patrick, y la inolvidable amistad con todos ellos. Por otra parte, su profesor de literatura avanzada, el Sr. Anderson, le despertará la vocación literaria, el sueño de convertirse en escritor. En este sentido, si la novela se estructura en forma de cartas, la película mantiene de fondo la misma, en el que Charlie aborda la evolución de su vida, cómo afronta él los distintos problemas o retos que van apareciendo según se va relacionando con los compañeros del instituto, en clase o en las fiestas.

Los tres actores protagonistas destacan por una buena interpretación, reforzada por la fotogenia y la veraz transmisión de las emociones. Tanto Logan Lerman como Charlie, Ezra Miller en el papel de Patrick, y Emma Watson como Sam, muestran una sólida experiencia interpretativa, especialmente ésta última, antigua compañera de Harry Potter. La música es otro de los hilos conductores de la narración. Todos son aficionados a la música y comparten los gustos musicales: The Smiths, Crowded House, David Bowie, etcétera, suenan de fondo de las escenas y los créditos del final. Por tanto una película cuidada en diferentes aspectos, que engancha al espectador sobre los problemas que se enfrentan los adolescentes y los jóvenes en el trayecto vital de un curso, el amor, la amistad, el sexo, la distancia generacional y la incomunicación con los padres, el alcohol y las drogas, unos hacia la universidad, otros para seguir estudiando, hacia la madurez individual.

EL MAKING OF DE LA PELÍCULA PSICOSIS

 

Para aquellos que les guste el cine podrán disfrutar al ver la película, HITCHCOCK dirigida por el realizador Sacha Gervasi, cuya historia se basa en el libro Alfred Hitchcok and the making of Psycho, es decir lo que se llama cine dentro del cine. Como se puede esperar aborda la personalidad de este gran maestro cuando se propone dirigir Psicosis, una de sus obras maestras. Después de haber estrenado un gran éxito como es Con la muerte en los talones y en el cenit de su carrera, decide hacer un proyecto más personal. Para ello se inspira en el caso de un asesino en serie de la época que por sus traumas infantiles protagonizó una serie de asesinatos de mujeres especialmente violentos. Un asunto real que no agradaba a los grandes estudios para los que trabajaba que no veían la temática suficientemente atractiva para el público en general. De esta manera decidió embarcarse en la nueva película asumiendo casi toda la responsabilidad de  la producción.

En la realización de esta nueva obra maestra el espectador puede descubrir la importancia que tuvo su mujer, Alma Reville. Aportaciones que están en el guión, la dirección, la selección de los actores e incluso el montaje final. Interpretada en la película por la actriz, Helen Mirren, demuestra que sin ella, y los dos trabajando por separado, habrían pasado desapercibidos. Ella colaboró en el trabajo del cineasta y a la vez le cuidó con todas sus obsesiones personales, hacia las actrices rubias, hacia la comida y la bebida, que casi le impiden terminar el objetivo de llevar a cabo el proyecto de Psicosis, pues la atractiva actriz, Janet Leigh adoraba a su marido y éste a su vez a ella, lo que le provocó auténticos celos, sentirse infravalorada.

Al final terminan el desafío de la nueva película. Una obra cinematográfica en donde la protagonista muere a la media hora mientras se está duchando en un motel perdido de carretera. Le mata salvajemente el joven dueño que ataca a las mujeres, y que el público descubre con pavor que lo hace vestido a su manera, como su madre muerta que tiene sin enterrar en la casa decimonónica próxima al establecimiento. En el argumento se juntan terror, violencia con un componente sexual, que difícilmente pasó la censura de aquella época, a comienzos de los sesenta, si no es por la habilidad técnica y la persuasión intelectual del director Alfred Hitchcock, que en un alarde de montaje fílmico eludió al máximo el desnudo de la mujer solitaria siendo atacada tras las cortinas del baño, sin perder fuerza e interés para el público. Todo un triunfo de su genio creador que una vez más le llevaría a mantener la fama hasta nuestros días.