ARTE, FOTOGRAFÍA Y CINE

EL BOXEO COMO MEDIO DE SUPERACIÓN

THE FIGHTER, del director David O. Russell, lleva a las pantallas la vida del boxeador Micky Ward que llegó a ser campeón del mundo cuando nada hacia prever que llegaría a la fama desde una mediocre carrera como boxeador modesto originario de una población industrial empobrecida en la que este deporte era una de las pocas ocupaciones para subsistir tras el declive económico. También cuenta, basándose en hechos reales, la ayuda y emulación de su hermanastro, Dicky Eklund, antiguo boxeador convertido en consumidor de crack, que llegó a noquear al famoso Ray Sugar.
Nos muestra, por tanto, la película el difícil camino hasta llegar a la fama con grandes esfuerzos para superar las duras condiciones de vida de la población obrera y la presión que ejerce su peculiar familia numerosa. Queda un matrimonio roto, los combates perdidos sin apenas remuneración, la influencia de su hermanastro y su madre, pero también, el apoyo de la novia, de todo el pueblo que le considera un héroe.
Lo mejor de la película es el realismo que transmiten las imágenes que aluden a la historia real en la que están basadas, la forma sin concesiones de representar el drama en el que viven los personajes. De hecho el público conocerá a los verdaderos en los créditos finales. 
De la misma manera la estructura en flash back a modo de entrevista después de conseguir la fama refuerza este sentido, así como la introducción de la imágenes de televisión en la transmisión de los combates, o cuando se graba o se reproduce el documental sobre la adicción de uno de los dos hermanos. Aspectos que vencen a la vertiente comercial que tiene como mayor exponente las escenas de derrota y victoria sobre el cuadrilátero que tratan de la manera más simple de atraer al espectador.
El conjunto se completa con la extraordinaria interpretación de los dos actores principales que encarnan a los protagonistas, Mark Wahlberg y Christian Bale, y el grupo de secundarios que les acompaña, como Amy Adams en el papel de novia de Micky, Jack McGee como padre y Melissa Leo como madre. Una historia de superación personal, de ascenso social, en condiciones de ser premiada en los oscar de este año.

LEYENDAS DEL COMUNISMO

La película rumana HISTORIAS DE LA EDAD DE ORO(Tales from the Golden Age), presentada en la sección oficial Una Cierta Mirada del pasado Festival de Cannes, ha sido dirigida por cinco directores de esa nacionalidad entre los que destaca el premiado Cristian Mungiu.
Narra seis leyendas urbanas transmitidas por la gente común en los últimos años del régimen comunista de Ceaucescu. Supone una recreación de aquella época de forma nostálgica y evocadora a través de los distintos estereotipos de una dictadura que sobrevivía a costa del esfuerzo y la privación del pueblo, que como nos dice el director, revela los aspectos cómicos de un régimen totalitario que se toma demasiado en serio.
Los cinco directores vivieron en su juventud aquel régimen que daba preminencia al Estado que era guiado por la organización del Partido, que llegaba a situaciones absurdas como manipular las fotos de prensa del líder para que apareciera más alto que otros dignatarios, hasta el punto de caer en desgracia por un error en una imagen, o la circunstancia de seguir las órdenes de un inspector de tal manera que quedan atrapados los dirigentes de un pueblo en el carrusel de las fiestas hasta que se acaba el combustible de la atracción.
En otras leyendas observamos un país empobrecido sin infraestructuras, donde un porcentaje de la población vive en el campo y es analfabeta, a la que el estado trata de sacar de esa situación, sin medios suficientes para ello. Otras gentes roban y hacen negocio de lo que pueden disponer de su propio trabajo y desarrollan la más variada picaresca para poder vivir mejor.
El tratamiento formal de la película es sencillo y directo, reforzado por un reparto y un montaje en el mismo sentido, que transmite una gran autenticidad al espectador. Refleja al estilo realista de las películas italianas de los años sesenta y setenta, según la propia pretensión del director, pero tal vez mejor incluso, un cierto tipo de cine español de esos momentos que mostraba a la población bajo la dictadura.


ENTORNO SOCIAL Y ADOLESCENCIA
NEDS (No Educados y Delincuentes), escrita y dirigida por Peter Mullan narra las difíciles condiciones sociales y personales que tiene que afrontar el joven, John, desde que abandona la escuela primaria hasta que llega al instituto. Pertenece a la clase trabajadora con un padre alcohólico que maltrata a su madre y un hermano delincuente, expulsado del colegio. El protagonista es buen estudiante, pero las condiciones del entorno familiar y social, le determinan a seguir la trayectoria de aquél, a convertirse en una persona violenta, por lo cual es rechazado por sus propios amigos de la calle e incluso le echan del hogar por agredir a su padre.
La película que está ambientada en los años setenta en Escocia tiene un tratamiento de la imagen que evoca un pasado que ha quedado a tras, hasta cierto punto muy personal, de ensueño, dentro del realismo. La selección de actores no profesionales es todo un acierto, en los que se incluye al protagonista, Conor McCarron, premio al mejor actor en el pasado Festival de San Sebastian. Sin embargo, falta un desarrollo argumental mas sólido, un conjunto mas armonioso, que narrase desde el fin de la niñez de John, hasta su problemática adolescencia en la que protagoniza peleas y robos. Quedan claros los límites de su culpabilidad, las condiciones ambientales y familiares le avocaron a cambiar una personalidad pacífica y brillante intelectualmente, a la de un joven violento y de introvertido carácter.
Al final, tiene una segunda oportunidad, vuelve al seno de su familia, al instituto con los alumnos más problemáticos. Allí se encuentra con un vecino al que casi le mata de una paliza y al que ha dejado impedido. En la última secuencia de la película, él y este chico impedido, son abandonados fortuitamente por avería del vehículo en un parque zoológico en una excursión del colegio. Sin duda es una metáfora de la integración social y de la superación de cualquier amenaza grave de su entorno, de cualquier determinación.  John y su víctima escapan del vehículo y atraviesan una manada de fieros leones sin sufrir daño, es decir, la vida misma para muchos adolescentes.



HISTORIA DE LA POSGUERRA

PA NEGRE (Pan negro) dirigida y escrita por Agustí Villaronga es una interesante película sobre los duros años cuarenta cuando la población padecía la represión del comienzo del Franquismo y las penalidades económicas de la Autarquía. Basada en la novela de Emili Teixidor, se localiza en la zona norte de Cataluña.
La Guerra Civil española había terminado pero la violencia de la misma todavía se prolonga en el interior de la sociedad entre los ganadores y los perdedores. La película muestra que a los enfrentamientos políticos y sociales, se les unió disputas personales, en los que los primeros se valieron de los segundos para mantener sus intereses de clase. 
El centro de la historia gira entorno al padre del protagonista que tiene que sacrificar su vida para que su hijo siga estudiando no delatando a los auténticos patrocinadores de la violencia que sacude el pueblo.
El transcurrir de la película es el descubrimiento por parte del joven Andreu de la intrincada verdad sobre los sucesos que motivan la acción y que afectan a su familia y a él mismo. También, la verdad sobre la vida íntima y afectiva de su entorno, y que los ganadores en la Guerra Civil, impusieron no sólo una victoria política y económica sobre los perdedores, los rojos, sino un cierto abuso moral sobre ellos.

CAMBIO DE GÉNERO


Un padre de familia, Leo, interpretado por Juan Diego Botto es capaz de transformarse en una mujer para hacer que su hija Dafne no sienta la muerte prematura de su madre. Lo que es un juego en el interior de casa le lleva a extenderlo fuera de ella hasta que recibe una paliza por unos jóvenes que le creen homosexual. En esta pretensión de ser un buen padre y satisfacer en todo a la hija llega a un límite en el que cuestiona su propia identidad.
TODO LO QUE TÚ QUIERAS, escrita y dirigida por Archero Mañas, reflexiona sobre la identidad de género, hombre-mujer, y sus papeles con respecto a la familia y la sociedad, especialmente en relación con los hijos. El argumento central de la película arranca del hecho que el protagonista trabaja como abogado de familia en asuntos de divorcio, y ve los riesgos de   no ser un buen padre, de perder la custodia de su hija como le sucede a tantos hombres que rompen con su pareja.
Una vez más, el director, utiliza el recurso del teatro o la interpretación dentro del cine. Muestra su admiración por los grandes actores, en este caso con el papel de Alex (José Luis Gómez), viejo transformista y gay que ayuda a Leo en sus intenciones de convertirse en su mujer. Sobresale también la interpretación de la niña Lucía Fernández como Dafne que da en todo momento el papel con mucha naturalidad.
La película en general está muy cuidada con un colorido apagado, de fuerte contraste, reforzado por las luces directas y el vestuario de los actores que potencian la historia, la identidad de los personajes. A ello se une la utilización de los primeros planos siempre presentes porque la película se desarrolla en la cara y en los ojos de los mismos.


UN TIEMPO PARA LA REFLEXIÓN



Como indica el titulo de la ultima película del director norteamericano Todd Solondz, LA VIDA EN TIEMPOS DE GUERRA (Life during wartime), estos son un periodo propicio para pensar el tiempo, para plantearse una serie de temas esenciales de la sociedad. El hecho de que haya una situación excepcional de guerra, de lucha contra el terrorismo parece que esa situación influye de forma problematica en la vida privada de la gente, o también, porque existe, cualquier problema individual deja de tener tanta importancia.
Todd Solondz contruye un guión ambiguo, abierto, lleno de matices y de posibles interpretaciones, porque la realidad es mas compleja que cualquier visión basada en estereotipos o prejuicios. El personaje infantil que es uno de los protagonistas de la película se llega a preguntar para que quiere la democracia y la libertad, si no tiene padre, si su familia es un completo desastre. Hasta tal punto, que su padre acaba de salir de la cárcel por ser un pederasta, uno de los temas que trata. En boca de este personaje se llega a hablar de la culpa y el perdón, de anteponer ante todo la condición humana a cualquier inclinación sexual, a un determinado delito.
Hay un cierto tono de humor, de aguda mirada sobre unas circunstancias muy concretas de una familia norteamericana judía donde dicha tradición resulta un referente que proporciona seguridad a los distintos miembros de la familia, aunque paradogicamente, sea una de las causas que han originado gran parte de los problemas con los que se enfrentan ellos y la sociedad. Parece decir que sin la perspectiva moral de la religión se acabaron las obsesiones y los miedos de todo tipo.


MADRES E HIJAS



MADRES E HIJAS (Mother and child), es el título de la última película escrita y dirigida por Rodrigo García que gira entorno al mundo femenino desde la perspectiva de la relación  madre-hija a propósito de la maternidad. Desde el principio la narración se desarrolla con tres historias diferentes que se unen al final de la misma. La primera de ellas, la de una mujer madura, que cuando tenía catorce años dio en adopción, obligada por su madre, a su hija, y que vive con ese estigma desde entonces. La de una joven abogada de curriculum brillante que entra a trabajar en un bufete prestigioso, pero que está marcada por su condición de hija adoptada, por su soledad desde la adolescencia. Finalmente, la de una pareja de color que busca adoptar un hijo.
El director maneja la dualidad madre-hija en los personajes principales y secundarios como motor de la narración, hasta el punto que la joven abogada, interpretada por la actriz Naomi Watts, se queda embarazada de su jefe de una niña que al nacer le causará la muerte. Ella también es la niña que fue abandonada por su madre adolescente, interpretada ya adulta, por Annette Bening, que al final logrará, aunque ya tarde, conocer la que fue su hija dada en adopción.
La película apuesta por la importancia de la maternidad, sobre todo en la relación entre madres e hijas como factor de transmisión del valor de la misma. De la misma manera, como un asunto plenamente centrado en la mujer. La felicidad está asociada a ella, y puede ser dañina si es temprana o no  suficientemente deseada, comprendida.
Esta apuesta por el mundo femenino recuerda a la película de este mismo director, Cosas que diría con sólo mirarla. También por su estilo sobrio, de ritmo lento, sin grandes movimientos de cámara, centrado en los personajes, otra vez, magníficamente interpretados, tratándo de transmitir con la mayor belleza y sensibilidad, una realida dramática.


EN EL ORIGEN DE UNA MENTIRA



La última película del director francés André Techiné, LA CHICA DEL TREN, (La fille du RER), aborda el tema de la mentira manipulada políticamente de forma interesada y amplificada por los medios de comunicación. Se basa en un hecho real de la cual parte el guión, que tiene con personaje central a Jeanne, una joven que busca empleo y vive con su madre viuda a las afueras de París. Ésta hace todo lo que puede para que su hija llegue a ser secretaria de un prestigioso abogado de origen judío, y luchador contra el antisemitismo, que fue su pretendiente cuando era joven. Mientras tanto Jeanne conoce a un joven con el que entabla una relación que le causa problemas relacionados con las drogas. Ante este fracaso, y sin ninguna razón aparente, fabrica la mentira de que  es agredida en el  tren por llevar una tarjeta del abogado judío. Sin ninguna prueba contundente, la policia, el propio estado francés, amplifican el caso de forma interesada. Al final confiesa la verdad defendida por el antiguo amigo de su madre. 
En la película sobresale su estructura en dos partes con un planteamiento centrado en el personaje de la joven Jeanne que deslumbra en los primeros planos, en los cuidados ambientes. Lo importante de la película es la forma, la articulación original de los planos, la mirada personal del director. El color tiene una tratamiento especial, apagado, sin contraste, que refuerza el carácter sensual, de evocación de un hecho pasado con una cierta melancolía. Merecen recordarse las escenas cuando la joven conoce a su novio patinando en la ribera de Sena en Paris. Ella lleva puesto los cascos y escucha Lay, Lady, Lay, de Bob Dylan. Él le intenta agarrar la mano. También, las escenas de la cabaña con el nieto del prestigioso abogado judío. En general, el personaje de Jeanne, interpretado de forma extraordianaria por la actriz, Emilie Dequenne, que llena y motiva toda la película, sin olvidar los personajes de Catherine Deneuve, en el papel de  madre, y Michel Blanc, como abogado.


HISTORIA DEL FASCISMO


VINCERE, la película escrita y dirigida por Marco Bellochio, narra la historia trágica de Ida Dalser, primera amante de Benito Mussolini, y su primogénito, al principio reconocidos cuando era un desconocido revolucionario a comienzos del siglo XX, y luego, olvidados, silenciados por el fundador del fascismo italiano, que no le interesaba hacer pública esta antigua relación sentimental y su descendencia.
Se da la paradoja que ella ayudó a finaciar el diario que catapultó a Mussolini. Vincere alude a la frase de éste de vencer o morir, por Italia en buscar la guerra para recuperar su pasado imperial. La película se extiende cronológicamente desde 1914, cuando comienza la Primera Guerra Mundial, cuando conoce a Ida, y se aparta por apoyar la guerra del partido socialista, donde era dirigente destacado, y 1939, cuando comienza la Segunda Guerra Mundial. Entre las dos fechas se desarrolla la lucha de esta mujer por ser reconocida como la mujer legítima de Benito Mussolini, circunstancia que le costará la libertad, recluida como loca por afirmar algo que se silencia desde el poder que intenta llevarse bien con la Iglesia.
Destaca en la película la combinación de las imágenes rodadas por Marco Bellochio, y otras originales de la época de tipo documental en blanco y negro, que no desmerecen el conjunto. Como tampoco las expléndidas interpretaciones de Giovanna Mezzogiorno en el papel de la desesperada Ida, y Filippo Timi como Mussolini padre e hijo bastardo.


RELACIONES DE PAREJA EN IRÁN


La última película ganadora del Oso de plata en el pasado Festival de Berlín es un retrato de las relaciones de pareja y de amistad en el Irán actual. A PROPÓSITO DE ELLY, del director Asghar Farhadi, se puede catalogar como un drama, una tragedia entorno a la desaparición de una joven maestra que es invitada a pasar un fin de semana con una parejas amigas al lado del mar. Una de ellas es la madre de uno de sus pequeños alumnos que quiere, de esta manera, presentarle a un amigo divorciado que viene de Alemania para que entablen una relación.
Así lo entiende todo el grupo hasta que desaparece en el mar intentando sacar del agua a uno de los niños. Esto provocará toda la tensión y enfrentamiento entre los personajes que buscan la verdad de los sucedido. La película tiene un planteamiento de obra teatral, pues todo gira entorno a los actores, en la manera de afrontar los dilemas morales a los que tratan de buscar una salida, porque en Irán existe una dictadura moral, religiosa, que impide que una mujer comprometida pueda permitirse la libertad de relacionarse con otro hombre que no sea su novio, sin manchar el honor de éste. Esto, al parecer, puede causar problemas a aquellas personas que lo propicien, como sucede con parte de los protagonistas que creyeron que Elly era una joven libre. También, en este sentido, el drama muestra el papel inferior que tiene la mujer respecto del hombre en el seno de la familia, y ésta comprendida como el objetivo prioritario de la mujer especialmente. Los hombres se visten a la manera occidental, mientras ellas aparecen cubiertas en todo momento por un velo, el hiyad, que les cubre el pelo y que cambian frecuentemente con distintos colores, un signo más de su situación de dominio por parte de los hombres, de la sociedad teocrática y opresiva de Irán.
En la película la culpabilidad y el origen de la inmoralidad se encuentra en la mujer, desde el punto de vista que Sepideh, propicia un encuentro no permitido, y Elly, intentandose apartar de su compromiso con su novio, lo acepta. Sólo la muerte fortuita de ésta, como en los antiguos dramas occidentales de hace varios siglos, e interpretada como un castigo, salva el honor del hombre burlado, y en general de todos los implicados.


INMIGRACIÓN ILEGAL EN CALAIS


 WELCOME, (Bienvenido), del director francés, Philippe Lioret, aborda el tema de la inmigración ilegal en el puerto de Calais, frontera con Gran Bretaña, desde la perspectiva de que no son bienvenidos como afirma el título, sino todo lo contrario, reprimidos porque si no es así, vendrían muchos más. Alude, igualmente, a que cualquier ciudadano que ayude alguno de estos inmigrantes puede cometer un delito. Es lo que hace Simon, un profesor de natación, con Bilal, el joven de diecisiete años procedente del Kurdistán Iraquí, que debido a la tortura sufrida al salir de su país, no puede llegar a Gran Bretaña para vivir con su novia, si no es a nado, circunstancia que le conducirá a la tragedia. 
Sorprende la dureza con la que se emplea la policia francesa con respecto a los inmigrantes, más propio de un país dictatorial, y en la que se ven afectados los propios franceses. La película muestra en imágenes cómo se les impide entrar en algunos supermercados para comprar con la escusa que son molestos para los clientes, o sirven también para justificar denuncias entre vecinos que se llevan mal, como le sucede al protagonista. Unas circunstancias sociales más propios de otras épocas, de tiempos extremos para los derechos y libertades del ser humano.

 MADRID FOTO

 La Feria Internacional de Fotografía, Madrid Foto que se ha celebrado entre el 12 y el 16 de mayo es una buena oportunidad para adquirir fotografías. Se celebra en el Palacio de los Deportes de la capital , que no es el lugar apropiado como pudiera ser un pabellón ferial, por cuanto los espacios de las galerías se encuentran en el lugar de la actividad deportiva rodeados por las gradas vacías.
El número de galerías todavía es reducido. La mayoría son españolas, pero podemos encontrar ya alguna inglesa o francesa. Es una feria todavía modesta, que los aficionados, coleccionistas y estudiosos de la fotografía necesitan en  Madrid. En ella puedes hacerte una idea de los precios, de la obra reciente de algunos fotógrafos, y sobre todo entrar en contacto con la misma, y si es  adecuado a tus posibilidades, comprarla.